Innehållsförteckning för No. 207 från Intramuros

Depuis 1985, Intramuros incarne le design à travers ceux qui le pensent et ceux qui le font. Pour ce premier numéro d’une nouvelle ère, celle de la naissance d’Intramuros Group, nous avons décidé de perpétuer cette mission en mettant en avant une nouvelle génération de designers, jeunes, talentueux, engagés et soucieux de s’inscrire dans une époque faisant de leurs préoccupations naissantes les enjeux majeurs des prochaines décennies. L’année écoulée, faite d’incertitudes cloîtrées à l’intérieur de murs trop épais, ne doit en rien freiner les désirs de création, mais au contraire nous inciter à être plus que jamais attentifs à ces nouvelles voix inspirantes et optimistes. Cette temporalité inédite a également permis à beaucoup de Français de se reconnecter avec leur habitat, d’en découvrir les recoins, d’en aimer les aspérités, d’en…

Connecté aux réseaux sociaux pour y découvrir de nouveaux créateurs, Habitat Design Lab renouvelle l’expérience avec Benjamin Fély, afin de promouvoir d’autres formes de création, hors des circuits industriels. Adepte de la démarche du slow design, ce designer basé à Nantes, récupère les chutes de bois et les vieux meubles usagés pour y sculpter cuillères en bois, soliflores, centres de table, plateaux. Surfant sur la tendance qui fait la part belle au bois naturel ou calciné, ils séduisent par leur simplicité brute, entre utilitaires et décoratifs. La teinte noircie est obtenue grâce à une recette à l’ancienne, – vinaigre blanc et de paille de fer macéré –. « Ces objets sont pensés comme des séries limitées pour le moment. De petites pièces de mobilier viendront les compléter selon le bois…

Jean-Pierre Blanc, directeur de la Villa Noailles et du festival Design Parade, passe son temps à programmer et à reprogrammer les expositions prévues. « Aux deux confinements, les jeunes ont relativement bien résisté. Ils se sont réfugiés chez leur parents, mais la fin de l’année s’annonce plus difficile: ils n’ont accès ni aux machines ni aux professeurs. Ils ont besoin de signaux forts de la part des adultes, et, dans un système qui les fragilise, on se doit de les rassurer. Depuis le 17 mars, nous n’avons fait que du digital, en particulier le week-end, pour toucher une population particulièrement disponible. La Villa Noailles, à Hyères, a eu un taux de fréquentation multiplié par deux, été 2020, tout en respectant les règles de distanciation. Elle n’a même pas été signalée…

Intégrer de la sensorialité dans le mobilier du quotidien, se reposer la question du sens même de la production, explorer le potentiel des biomatières… Les sujets des diplômes de Zeina Sleiman, Juliette Droulez et Thomas Carlier sont au coeur même des questions hautement portées dans ce monde d’après-Covid que tant appellent de leurs voeux… Et c’est bien la preuve que cette génération de designers qui arrivent appréhendent déjà leur discipline dans des champs bien plus larges que ceux auxquels on voudrait les réduire. Certes, le projet de diplôme – selon leurs dires – est aussi une chance à saisir pour créer librement, un espace d’expression et d’intention unique, sans les contraintes ni les ajustements inhérents à toute collaboration. Et pourtant, en choisissant leur sujet, Zeina Sleiman, Juliette Droulez et Thomas…

Son bac en poche, Thomas Carlier se lance dans un BTS d’agencement au Havre, « pour apprendre à construire dans le détail et savoir comment faire du mobilier ». Puis il intègre l’École Camondo tout en enrichissant sa formation de stages et d’expériences diverses en conception d’éclairages mais aussi en montant l’association Kuzko afin de concevoir et de fabriquer des décors pour des courts-métrages et des clips (pour Lomepal, notamment). « Garder ce contact avec la matière, faire des maquettes et les produire à grand échelle était essentiel pour moi », explique-t-il. Étudiant, il met un pied chez Marion Mailaender, avec qui il continue de travailler régulièrement en free-lance. Et depuis son diplôme, l’été dernier, il a monté le Studio Digger, qui a déjà une dizaine de chantiers en cours.…

Formel Studio, c’est avant tout une rencontre entre Timothée Concaret et Nicolas Mérigout, alors étudiants à Strasbourg, qui aspirent à travailler à quatre mains. « On a beaucoup de respect et d’admiration pour le travail de l’autre, c’est primordial. » Le binôme se retrouve à Paris et tente pour la seconde fois, en 2019, le concours Révélateur de talents, organisé par Cinna-Ligne Roset, avec la lampe Luce. Il remporte le premier prix du jury, et, quelques mois plus tard, le duo officialise cette association en fondant Formel, un studio à la fois de création et de fabrication au nom révélateur. « On a deux visions très différentes mais la même rigueur. On aime les choses claires, nettes et précises. » Entre leur fauteuil Kiso (« stabilité », en japonais), le…

Sa ligne directrice pour chaque projet est de provoquer une expérience mystique avec l’utilisateur en instillant une approche cérémonielle faisant écho, notamment, à la civilisation antique, qui l’inspire beaucoup. À travers l’étude des formes, des matières et des techniques anciennes, sa compréhension des objets actuels s’affine et l’invite, par la réutilisation de ce savoir-faire, à créer un lien, parfois inconscient, avec un passé pouvant être familier ou fictionnel, mais qui s’invite toujours inopinément dans l’objet. Sa dernière collection de vaisselle en grès, Dune – qui s’intéresse aux ridules que l’on aperçoit dans les mouvements des fluides et plus particulièrement à celles de l’eau et du vent sur le sable – va ainsi puiser dans la mémoire de l’usager les souvenirs personnels d’environnement naturel et de bords de plage. Les formes…

Le bois et l’acier tiennent une place prépondérante, en lien avec leur parcours commun à l’École Boulle et leurs expériences professionnelles respectives: Charlotte est ébéniste de formation et a travaillé dans différents ateliers d’art en freelance; Ludovic, bronzier à l’origine, s’est ensuite orienté vers la restauration d’objets d’art. Mais d’autres matériaux plus surprenants tels que le bambou sont aussi utilisés (comme pour leur banc TRAM). Leurs créations répondent bien souvent au besoin spécifique de leurs clients. Cette approche du sur-mesure et de l’adaptabilité leur sert à imaginer de nouveaux dessins qui s’insèrent naturellement dans leur ligne et répondent souvent, par le perfectionnement ou la variation, à leurs précédentes réalisations. La collection de luminaires 400 ML, où l’on retrouve, par exemple, la lampe de bureau en acier patiné et bombe de…

De ses études d’art textile et de graphisme à Vienne à son diplôme à la Design Academy Eindhoven, c’est sa formation de graphiste qui influence le plus son travail. En 2019, Teresa Berger ouvrait son studio à Copenhague, elle est aujourd’hui revenue à Vienne, sa ville natale. Intéressée par la riche tradition de la céramique et sa possibilité à s’adapter aux exigences et aux besoins contemporains, elle a choisi l’argile comme medium de prédilection. La forme émerge chez elle de manière très intuitive et naturelle à travers des croquis et, parfois, des rendus 3D. Dans son travail récent, elle vise à mettre en évidence la beauté inhérente de la nature à travers la construction à la main de pièces uniques sculpturales, ou par le moulage par glissement de séries d’objets…

Ces dernières décennies ont connu le développement de produits acoustiques très différents. À titre d’exemple, depuis une barre sonore all-in-one, il est possible aujourd’hui de reproduire à partir d’un seul point quasiment la même sensation de spatialisation du son qu’offraient les systèmes complexes issus du home cinéma. Parallèlement, le développement de la musique en streaming a généré des appareils capables de reproduire ces musiques connectées, avec plus ou moins de spectre sonore. Et c’est ce marché que Devialet a investi en 2015, en ciblant des segments très précis, comme en témoigne Emmanuel Nardin: « À son époque, Phantom a apporté la musique de très haute qualité dans des objets grand public, relativement abordables par rapport au marché de niche de la hi-fi high end, des systèmes chers et encombrants. Nous…

Le ralentissement économique dû à la crise sanitaire est l’un des facteurs de réconciliation des Français et le chez-soi est un cocon rassurant. Malgré ces périodes de confinement qui s’étirent, les projets d’architecture se concrétisent. Et cela n’est pas rien. Chantiers en cours, conceptions en devenir, les architectes, designers et maîtres d’oeuvre agissent face au contexte morose. Si la réouverture des restaurants et des hôtels est incertaine, ces cinq projets de design et d’architecture réinventent les espaces dans le résidentiel ou le retail pour rendre, peut-être, la vie plus douce.…

1 an/4 numéros + version numérique ❏ 50 € - France ❏ 20 € - France étudiants* ❏ 60 € - Europe ❏ 80 € - Autres pays 2 ans/8 numéros + version numérique ❏ 85 € - France ❏ 110 € - Europe ❏ 150 € - Autres pays COORDONNÉES RÈGLEMENT ❏ Sur le shop Beemedias (CB / Paypal) www.shop-beemedias.fr ❏ Par chèque bancaire à l’ordre de INTRAMUROS MAGAZINE Bulletin à envoyer à: DANTES SAS - INTRAMUROS MAGAZINE 110, BD JEAN JAURES – 92100 BOULOGNE BILLANCOURT * Étudiants: copie carte d’étudiant (4 numéros + version numérique) OÙ NOUS TROUVER? Intramuros est diffusé dans les kiosques et maisons de la presse partout en France. Vous pouvez également trouver le magazine dans certaines librairies et showrooms partenaires. Librairie Carré d’art Musée…

Comment l’intelligence artificielle va transformer nos vies? Comment utiliser cette technologie pour créer des villes durables? En 2019, Hubert Béroche pose ces questions dans une douzaine de villes dans le monde, et rédige un rapport complet sur « l’urban AI »; qui alerte sur la mythologie existante sur la smart city. Pour poursuivre cette recherche, il crée alors un Think thank du même nom. Avec l’appui d’Anne-Marie Sargueil, présidente de l’Institut Français du Design, et l’aide de Johanna Rowe-Calvi (Head of design chez Blizzard et présidente de Strate Alumi), il organise fin mars un Hackathon detrois jours associant avec les étudiants de l’Ecole de Design de Nantes, Strate et The Sustainable Design School. Partant du constat que la technologie repose trop souvent sur des infrastructures invisibles, et considérant ce que…

VENDREDI, 1ER AVRIL 2049, 183E ÉTAGE DE LA UNITED DESIGNERS TOWER, SHENGDU Tristan prépare sa version 27 de sa chaise de bureau Xi. Il est très fort pour ça, recréer de futures versions avec de nouveaux matériaux, importés de l’autre bout du monde par les routes de la soie, quand les précédents sont épuisés. C’est un bon job, sur une planète où tout est en voie d’épuisement. Il replonge ses baguettes dans sa ration quotidienne de soja en provenance de la Sojazonie brésilienne. Comme ses 22 milliards de congénères, il y ajoute un peu de goût de viande, tout ce qui reste comme souvenir du monde animal. Il est 22 h, comme tous les soirs, Tristan assure ses fins de mois en triturant les données du bigdata, un lointain dérivé…

Quelles évolutions avez-vous constaté au SaloneSatellite? Par le passé, les designers y présentaient des idées et des concepts. Aujourd’hui, ils montrent des prototypes issus d’un important travail artisanal, presque prêts à être produits, et c’est ce qui fait que des pièces de design sont repérées par les éditeurs. Le design et les cours de formation ont également changé. Au cours des vingt dernières années, les universités et les écoles de design se sont multipliées dans le monde, et la plupart des designers participant à SaloneSatellite en sont diplômés. Les nouvelles générations sont attentives à la communication et aux processus numériques, prennent en considération les questions de durabilité et d’écologie et se soucient des matériaux. Les jeunes participants à SaloneSatellite ont exprimé leur créativité de nombreuses manières, et un certain nombre…

Pour Zeina Sleiman, l’architecture d’intérieur est, au départ, une histoire de vocation. Adolescente, elle choisit cette spécialisation pour son bac, puis poursuit cette discipline dans une université américaine au Qatar. Le cursus est alors davantage orienté vers une approche générale de l’architecture. Elle reste sur sa faim, soucieuse d’aborder d’autres angles comme la création de mobilier. La jeune Libanaise choisit alors Paris pour varier les expériences internationales qu’elle a déjà à son actif et intègre l’École Camondo. Elle y développe une approche du mobilier très sensuelle: « J’ai toujours eu le sentiment qu’en tant qu’architecte d’intérieur ou designer nous sommes sensibles à l’aspect visuel dès le début d’un projet, mais que nous oublions parfois dans la matérialité, les autres richesses des sens, ne serait-ce que le tactile. » Pour elle,…

Depuis son atelier bordelais, cette ancienne étudiante en architecture d’intérieur des Arts décoratifs de Paris, devenue designeuse pour la maison Lalique avant de se former concrètement au travail du verre au Cerfav (seul centre de formation consacré au verre en France), fabrique sur mesure des panneaux modulables, des vases et des luminaires à partir d’une maille décorative en verre spécialement conçue. Son savoir-faire puise autant dans les techniques numériques que traditionnelles. Il lui permet de créer des résilles de verre aux consonances géométriques et végétales, propices à des créations aux contours particulièrement évolutifs. Ses panneaux Nuages, insérés dans des cadres en métal, se déclinent ainsi en habillages de fenêtres ou en cloisons – au milieu d’un salon, par exemple – dans des configurations aérantes et aériennes. Ses panneaux Feuillages renforcent…

Très jeune, Pierre Castignola découvre l’art moderne et contemporain à Paris. À 19 ans, il se dirige vers les Pays-Bas pour étudier à la Design Academy Eindhoven, convaincu par l’esprit d’ouverture de la création néerlandaise et proche des courants hybrides de l’art conceptuel et du design. Diplômé en 2018 avec la mention honorifique cum laude, il fonde sa propre entreprise dans les ateliers d’Eindhoven réservés aux créateurs. « Le partage de l’espace offre la possibilité d’avoir les machines et le matériel en commun. Une entraide appréciable et aussi plus stimulante pour la création! » Designer indépendant, il gagne sa vie de sa seconde passion, la photographie, qu’il exerce auprès d’autres designers (prises de vue pour l’édition, books). Dans son travail personnel d’auto-édition, Pierre Castignola conçoit des pièces uniques dont l’une…

Un électron libre. Voilà comment on l’avait définie dans le cabinet d’architecture où la Marseillaise faisait ses premières armes, après un cursus design à l’École Boulle. Elle s’est vite lancée en solo. En 2017, son projet fondateur – elle y bénéficiait d’une grande liberté – a été l’aménagement intérieur de la boutique d’Amélie Pichard, créatrice de sacs et de souliers, elle-même sacré électron libre. Si Marion Mailaender n’appartient à aucune chapelle du style, elle se nourrit d’une foule de références hétéroclites – Carlos Scarpa, Gio Ponti, Ettore Sottsass, le groupe Memphis, mais aussi Josef Hoffmann, les années 1930, l’art contemporain minimaliste du peintre et sculpteur Carl Andre –, se dit maniaque des plans et rigoureuse dans l’organisation de l’espace, des volumes, des détails fonctionnels. Son point fort est sa faculté…

Après un cursus en design produit à la HEAR Strasbourg, Roxane Lahidji intègre la Design Academy Eindhoven. Entre ses deux années d’études, la jeune femme a assisté son directeur de département, Jan Boelen (aujourd’hui directeur de la Karlsruhe University of Arts and Design), dans un projet de la fondation Luma à Arles pour valoriser et stimuler l’économie locale de la Camargue et de la région Paca. Au sein de cet atelier, où nombre de travaux incubent, les designers exploraient toutes sortes de matériaux. Tel le sel, matière vernaculaire qui fascine l’étudiante par la richesse de son histoire, sa symbolique, ses possibilités. Et par le fait qu’il y a surabondance annoncée en raison de l’hypersalinisation due au réchauffement climatique. Un parfait sujet pour son master en design social. Roxane Lahidji va…

Méconnu du grand public, le design culinaire est le médium qui convient le mieux aux desiderata de Céline Pelcé. « C’est un langage éphémère qui me correspond, car il s’inscrit dans la relation humaine et l’émotion. » Il interroge à la fois sur ce que l’on ingère et sur sa préparation, que l’on aime manger ou pas, et, dans les deux cas, il rassemble autour de la discussion et des échanges affectifs. Céline appréhende la matière de manière plastique et poétique: les ingrédients qu’elle sélectionne pour imaginer ses performances sont souvent liés au temps, au sol dans lequel ils ont poussé, à l’énergie déployée par l’homme et à leur symbolique comme celle de l’oeuf, du coeur ou des racines. Et la fragilité des denrées donne encore plus d’importance aux gestes…

Dans sa version originelle de 1918, la Red and Blue Chair (alors appelée Slat Chair) est en bois naturel. Gerrit Thomas Rietveld, son créateur, la hisse au rang de manifeste avant-gardiste lorsque, cinq ans plus tard, il lui applique les couleurs emblématiques du mouvement De Stijl. Déclinant en trois dimensions les théories néoplasticiennes de Theo Van Doesburg et de Piet Mondrian, l’ébéniste hollandais – formé à l’école paternelle – joue avec le bleu, le rouge et le jaune pour accentuer l’architecture fondue au noir de son siège. À l’appui d’un jeu savant de lignes, l’assise livre les codes de construction à angle droit du néoplasticisme, ses couleurs primaires identifiant chacune de ses parties et leur fonction spécifique. Rappelons toutefois que, avec deux planches et quinze lattes pour tout support, la…

Martinelli, c’est avant tout l’histoire d’une famille italienne qui décide, dans les années 1930, de s’installer entre Champagne et Bourgogne. De génération en génération, elle apprivoise le territoire et se forme aux métiers du bois – de bûcheron à ébéniste. En 1952, un petit atelier est ouvert, qui comptera déjà une dizaine de salariés dans les années 1960. Un premier magasin ouvre à Chalindrey, en 1968. Puis, au cours de la décennie suivante, la société prend une véritable dimension familiale avec l’arrivée des enfants du fondateur. Clément Martinelli, qui représente la troisième génération, confirme que cette philosophie d’entreprise demeure intacte à ce jour. Les années 1980 constituent, pour Martinelli, l’apogée: la société livre en Suisse, sur la Côte d’Azur, elle participe à des salons internationaux et compte parmi ses clients…

Après Pierre Paulin, Charlotte Perriand et Jean-Michel Wilmotte, Martin Szekely a conçu de nouveaux éléments de mobilier pour les visiteurs et les agents d’accueil et de surveillance du Louvre. La réalisation en chêne clair de ces 200 sièges, 70 banquettes et 100 assis-debout a été confiée à l’entreprise Chastagner. C’est la sculpture égyptienne du roi Khéphren assis sur son trône qui a inspiré les trois modèles de meubles proposés et notamment le siège de l’agent d’accueil. « Chaque meuble est pensé dans son autonomie, en adéquation avec son usage. Ses composants sont réduits au minimum et assemblés dans une logique constructive rigoureuse. Le multiplis de bois massif en forte épaisseur, révélé par le brillant de l’acier inoxydable des vis d’assemblage, leur confère un air de famille » précise le designer.…

Chaque année, l’Alliance France Design – premier syndicat professionnel pluridisciplinaire en France – organise une exposition dans ses locaux. En 2020, deux de ses membres, Romain Diant et Sylvia Dore ont décidé de renouveler les formes de ce rendez-vous. Si tous deux ont cofondé une agence de design graphique – respectivement Studio Asensò et Stéréoburo – dans le cadre de recherches universitaires, ils ont chacun interrogé la question du commun dans leur métier: Romain s’est penché sur la notion d’empathie dans le cadre d’une commande de design, tandis que Sylvia s’est intéressée à la cocréation et les nouvelles manières de faire projet. Le premier confinement et les nombreuses réflexions individuelles qui naissent sur le rôle du designers dans le monde de demain, les confortent dans l’idée de revisiter l’événement annuel…

Comment définir cette génération de designers qui monte? C’est la question que nous avons posé à de nombreux acteurs du design. Parmi les caractéristiques majeures qui étayent les témoignages revient l’affirmation d’une génération engagée. Dans les écoles, depuis une décennie, la diversité croissante des projets de diplômes reflète particulièrement une volonté de s’inscrire dans des projets qui font sens au niveau de la société. « On s’éloigne de projets légèrement superficiels, qui ne sont pas rattachés à une démarche durable. Même les projets de luxe sont liés à du sourcing de matériaux particuliers… Il y a un début d’étude complète du cycle de vie du produit: nous commencions il y a dix ans à entamer ce type de réflexion, mais nous n’avions pas tous ces outils », précise Johanna Rowe…

Les grandes galeries du Quartier latin parisien assurent la diffusion des designers célèbres. C’est le cas de la galerie DowntownParis, de François Laffanour, qui permet la diffusion de personnalités du design malheureusement décédées pour la plupart comme Jean Prouvé, Le Corbusier, Charlotte Perriand, Jean Royère ou Serge Mouille… Cependant, des galeries plus petites se mettent en place et il ne faut pas négliger leur action. Rue de Montmorency, dans le IIIe arrondissement de Paris, s’est ouvert, il y a cinq ans, la galerie A1043. À l’initiative de Didier Courbot et de sa femme, Stéphanie, ce lieu ne dispose que de 60 m2, mais, sur deux niveaux, il permet de faire la part belle à toute une génération de jeunes designers qui ne demandent qu’à être vus. Ainsi Pierre Castignola, David…

En sortant du bac, Juliette Droulez a fait une année de prépa à l’Atelier de Sèvres et une autre à la Rietveld Academie à Amsterdam: elle en gardera un goût puissant pour le dessin et l’approche artistique. Elle intègre ensuite l’École Camondo. Cinq ans plus tard, elle choisit pour son diplôme de se consacrer à l’objet. Confinement oblige, elle revoit son plan de départ tourné vers l’objet cassé, oublié, abîmé et l’exploration de matériaux avec des artisans: « Enfermée chez moi avec seulement mes crayons et mes feuilles, j’ai commencé à dessiner des objets insolites, improbables. Martine Bedin, qui dirigeait mon mémoire, m’a encouragée à être libre dans ma manière de m’exprimer. Derrière l’histoire que je racontais, il y avait un questionnement sur la société de consommation actuelle. Sur le…

Diplômé de l’École Boulle à Paris en ébénisterie, Helder Barbosa se forme auprès d’ateliers de menuiserie et de monture en bronze (travail du laiton) pour acquérir de meilleures compétences techniques. Initié auprès du sculpteur Arnold Goron, il élargit sa palette tout en découvrant et en se confrontant à des matériaux autres que le bois (acier, aluminium ou béton). Son profil technique est suffisamment étendu pour lui permettre de créer librement de manière autonome en tant que designer indépendant. Dans son atelier en banlieue parisienne, il surfe sur la vague de l’objet fait main, comme il le souligne, ancré dans la réalité de conception, de production et d’économie, à son échelle. « L’avantage de connaître et de pratiquer plusieurs techniques et savoir-faire, c’est de réduire les coûts de production du prototype…

Jeune diplômée de l’Ensci, Marie Simon-Thomas travaille en indépendante, ce qui lui permet de cumuler des expériences différentes et de répondre à sa nature curieuse. Enseignante à Lisaa, elle participe à un projet de recherche autour du mobilier acoustique dans les espaces partagés, compte tenu des nouvelles formes de travail qui se développent. C’est un projet sur trois ans qui rassemble l’Ensci, le centre de recherche en design de Paris-Saclay et le groupe Clen, fabricant de mobilier de bureau. L’entreprise s’est rendu compte que le bruit créé par le mobilier lui-même peut être source de nuisances, et, de ce fait, le meuble peut être un support pour des textiles acoustiques – que l’on a tendance à poser au plafond et sur les murs. Avec l’équipe, Marie Simon-Thomas prépare l’ouverture courant…

Après un double cursus métiers d’art et design de huit ans à l’École Boulle, Dimitry Hlinka travaille en deux dimensions complémentaires selon la demande. « C’est un dialogue constant dans ma tête entre le designer et l’artisan », ce qui lui permet une hybridation des techniques. Pour exemple: le projet Toguna, de 2017, durant lequel le Palais de Tokyo lui confie la conception d’une estrade en liège expansé qu’il finit par réaliser lui-même en échangeant sa casquette de designer avec celle d’artisan. « C’est grâce à cette vision globale et pragmatique que le circuit est plus court. » Aujourd’hui, Dimitry a à coeur de donner du sens à ces réalisations, notamment dans les milieux du bienêtre et de la santé. Il travaille avec Stéphane Simon, DG du Lieu du Design,…

Lauréat du concours Pure Talents Contest au Salon IMM Cologne 2021, avec un troisième prix décerné pour la chaise Olivia, Tatu Laakso est un designer finlandais installé à Helsinki. Sa formation pluridisciplinaire, à l’Institut de design à Lahti et à l’université d’art et de design Alvar Aalto à Helsinki, le prépare à aborder les entreprises et les marques en tant que designer indépendant. Il concentre son travail sur le design de mobilier ou d’objets du quotidien et sur l’architecture d’intérieur, répondant au plus près au cahier des charges. Cependant, il s’interroge sur les pratiques du design d’aujourd’hui et de demain. Sont au coeur de ses préoccupations la modification de la chaîne de consommation, le regard sur le cycle et la transformation des matériaux afin que les consommateurs s’y retrouvent mieux.…

Charlotte Kidger est une designeuse engagée. « Trouver des moyens et des solutions pour réutiliser des déchets est essentiel. Cela permet d’appréhender le futur plus intelligemment. De nos jours, il ne devrait y avoir aucune excuse à la déperdition non réfléchie! » Les industriels auprès desquels Charlotte récupère la matière sont d’ailleurs ravis de cette initiative. Son travail se concentre sur la réutilisation de la poudre de polyuréthane expansé qui est collectée à Londres et dans ses environs, et parfois des matériaux de construction récupérés dans des zones industrielles. De la résine teintée à la main est ensuite ajoutée à la matière par strates. Le processus de transformation est fastidieux: du matériau auto-développé à la coloration, en passant par la fabrication des moules, tout est réalisé en interne. La designeuse…

Les géniteurs d’Æquo, Tim Defleur et Arthur Lenglin, imaginent ainsi des projets liant immersion citoyenne et actions de proximité, comme avec le projet « Quand le design rend visite au patrimoine », qui les a vus animer des ateliers à destination d’un public local et néophyte au sein de la Cité des électriciens de Bruay-la-Buissière, avec une exposition rétrospective à la clé. Ils y ont partagé et montré la richesse d’une démarche de création locale en accompagnant la fabrication d’objets à partir de matière du cru chargée d’histoire, comme la brique, ou en expliquant comment teinter naturellement des tissus en fibres naturelles à partir des plantes des alentours. Cette approche médiatrice de terrain leur ouvre les portes de toute la diversité des acteurs économiques et sociaux du terroir: workshops en…

Comment s’est passée l’année 2020 et quelles sont les perspectives pour vous en 2021? Marc Hertrich: Comme pour beaucoup de gens, l’année a été compliquée. Forcés de vivre cette période… On a été forcés d’être inventifs en interne! C’était à nous de donner des impulsions. Mais cela nous a aussi permis de réfléchir différemment, de nous réorganiser. D’une manière générale, dans nos projets, les contraintes amènent à la créativité, et le Covid nous a incités à nous remettre en question et à être force de proposition pour rebondir, notamment dans nos démarches commerciales: trouver des nouveaux secteurs, explorer d’autres univers par rapport à notre clientèle habituelle, qui est le monde de l’hôtellerie, comme la restauration, le bien-être, le business… Durant ce tempslà, l’hôtellerie s’est réveillée à nouveau. Certains projets se…